¡Bienvenidos a mi blog! Aquí, escribiré de mis experiencias con mi estudio independiente. Si has visitado este blog por primera vez, debes visitar la página "Introducción y resumen."

viernes, 3 de junio de 2016

3-6-2016: Reacción a Histoire du tango, Nightclub 1960

Astor Piazzolla

Astor Piazzolla era un compositor argentino que nació en 1921. Él desarrolló la música tango, redefiniéndola y modernizándola para el medio siglo veinte. Piazzolla compuso mucha música en el estilo del tango. Su pieza Histoire du tango (La historia del tango, 1986) cuenta el cambio y desarrollo de la música tango desde el principio del tango en 1882. Hay cuatro movimientos: Bordel 1900, Café 1930, Nightclub 1960, y Concert d’Aujourd’hui (sobre el tango cuando Piazzolla compuso la pieza).

“Nightclub 1960” es el tercer movimiento de Histoire du tango. Hay dos humores contrastados en este movimiento. El primero es muy animado. Me gusta la manera en que la energía de la pieza refleja el entusiasmo del club. El otro humor es la tristeza. Esta parte es más lenta, y parece reminiscente del tipo de tango romántico. Pero los dos humores alternan muchas veces en poco tiempo. Uno se puede encontrar la influencia moderna con muchas armonías disonantes y las progresiones armónicas no tradicionales.

Para resumir, la composición es orgánica, original, y única, y en sólo cinco minutos, el compositor puede expresar dos humores diferentes. En una buena adaptación del tango de los años 1960, y Piazzolla presente la música tradicional en una manera que le interesa las audiencias contemporáneas.

Puedes escuchar la pieza aquí: http://youtu.be/H9yqOa0WF4o

3-6-2016: Análisis de Suite de danzas criollas, quinto movimiento

Alberto Ginastera

Suite de danzas criollas es una colección de piezas por el compositor argentino Alberto Ginastera. La obra era escrita en 1946. Hay varios elementos interesantes para analizar en esta pieza: la métrica, la estructura de la pieza, y el motivo principal.
 
La estructura es muy simple. La primera sección (A) empieza con un motivo en el movimiento escalonado. Continúa con los acordes, que ascienden hasta una cadencia. La nota re funciona como el centro tonal de la última parte de la primera sección. En la segunda sección (B), la melodía tiene más brillo e intensidad, moviendo en las corcheas. Hay una línea secundaria que acompaña a la melodía en las quintas paralelas. Las quintas paralelas no son usadas en música popular o clásica; por esto, el sonido de esta parte parece extraño para el oyente típico. En el desarrollo corto, los acordes en forma de arpegio van a una repetición de la sección B, pero esta vez, la melodía es acompañada con los acordes en la otra mano. Finalmente, el motivo en la sección A regresa en las octavas.
 
La métrica y el ritmo combinan para crear la energía y la excitación a través de la pieza. Particularmente, estos recursos músicos son la hemiola y la síncopa. Al principio de la pieza, cada compás tiene seis corcheas, pero los compases alternan entre una métrica de tres pulsos y dos pulsos; esto se llama la hemiola. En la sección B, hay muchos cambios de la métrica, además de la hemiola. Por esto, el ritmo siente inesperado y energético. Este sentido rítmico se repita en la segunda sección B.
 
El motivo principal es muy interesante porque está presente al principio de la pieza, pero no regresa hasta el fin. El compositor no tiene una resolución para el motivo; entonces, el oyente siempre está preguntándose adónde va la pieza. Aparte del motivo principal, la pieza tiene muchas florituras pianísticas.

La influencia criolla en la pieza es muy obvia, con los ritmos extraños y las quintas paralelas. Una obra como ésta refleja bien la energía de Argentina y el talento del compositor Ginastera.
 
Puedes escuchar la pieza aquí: https://youtu.be/ZOAkm7l7aKA?t=5m59s (5:59-7:11)
 
 
El ritmo entre los compases 14 y 21

jueves, 2 de junio de 2016

2-6-2016: Francisco Franco y su dictadura, expresado hoy con esculturas inusuales

Después de la guerra civil española, Francisco Franco tenía poder a través de España y estableció una dictadura. La dictadura duró hasta su muerte en 1975, pero todavía hay muchas emociones sobre este período turbulento. Aun hay una Fundación Francisco Franco, una organización de sus partidarios que protege y promociona el legado del dictador.
 
El artista español Eugenio Merino quería expresar los sentimientos hacia Franco (más de cuarenta años después su muerte) en forma del arte. Sus esculturas Punching Franco (2012) y Always Franco (2012) han recibido interés y la controversia.
 
Punching Franco es una pelota de puñetazo que está en forma de la cabeza de Franco. Always Franco es una escultura de tamaño real de Franco, puesto en un refrigerador.
 
Punching Franco, enfrente del artista, Eugino Merino
 
Para Punching Franco, el significado debe ser obvio. Para Always Franco, el artista dice que muchas personas todavía hablan sobre Franco, y él piensa que esto es un poco absurdo; la dictadura era abolida hace cuarenta años. El artista dice que es como Franco es la comida fresca, y para mantener la frescura de la comida, hay que ponerlo el refrigerador.
 
Always Franco por Eugenio Merino
 
A muchas personas no les gusta Franco, pero algunos personas todavía lo apoyan lo que él hizo. Por esto, el artista ha recibido las demandas de la Fundación Francisco Franco. La organización asegura que Merino no puede irrespetar a Franco en forma de sus dos obras artísticas. Pero los jueces han desestimados las demandas ridículas, citando la libertad de expresión.
 
Merino ha creado otras obras políticas con otros líderes del mundo. Un año después de Always Franco, Merino creó Always Shameless, una obra en que las esculturas de cinco líderes, incluso George W. Bush, Mao Zedong, y Vladimir Putin, están puestas en refrigeradores.

2-6-2016: Últimos acontecimientos: sitios patrimonio de la humanidad amenazados por el cambio climático

Según el artículo “Los 6 sitios patrimonio de la humanidad de América Latina más amenazados por el cambio climático” por BBC Mundo, muchos sitios por todo el mundo están en peligro de daño por el cambio climático, incluso los sitios en América Latina. El artículo de BBC Mundo habla sobre cinco sitios en los países hispanohablantes. Estos sitios son la ciudad de Cartagena (Colombia), la ciudad de Coro (Venezuela), las Islas Galápagos (Ecuador), el Parque Nacional Huascarán (Perú), y la Isla de Pascua (Chile).
 
Cartagena y Coro son ciudades costeras por el mar Caribe, y tienen elementos parecidos. Las ambas son muy viejas, fundadas en 1533 y 1527 respectivamente, y tienen cientos de edificios históricos. Según Unesco, Coro es la única ciudad sobreviviente donde la arquitectura tiene una mezcla de la influencia española, mudéjar, y holandés. Por otro lado, Cartagena era un puerto importante para el comercio y hay también mucha arquitectura militar.
 
Las dos ciudades están en peligro de daño porque los patrones climáticos han cambiado, llevando tormentas más fuertes. En Coro, ha sido un aumento en la lluvia, y en Cartagena, el aumento del nivel del mar puede inundar a los barrios costeros.
 
Un edificio en Coro
 
Las islas Galápagos ya tienen bastantes problemas, pero según el artículo, un nuevo problema es el aumento del nivel del mar y el calentamiento global. Las islas Galápagos tienen una biodiversidad muy sorprendente, pero el calentamiento global puede hacer daño a los ecosistemas marinos y terrestres.
 
En el Parque Nacional Huascarán, el problema no es el aumento del nivel del mar, sino el calentamiento global. El aumento en la temperatura se ha derretido muchos glaciares, y esto puede soltar muchos metales tóxicos, incluso el plomo, arsénico, y cadmio, contaminado el agua para la gente y los animales que la usan.
 
El último sitio está en el Océano Pacífico: la Isla de Pascua. El problema principal es la erosión de la costa. Hay cientos de estatuas en un estilo distinto, y con la erosión, es posible que las estatuas puedan caer en el océano.
 
Una escultura de la Isla de Pascua
 
Este artículo subraya que el cambio climático está ocurriendo ahora, y esto puede dañar a los sitios importantes para la historia y la cultura de Latinoamérica.

miércoles, 1 de junio de 2016

1-6-2016: La guerra civil española, por la vista de Antonio Machado y el asesinato de Federico García Lorca

 Antonio Machado
 
Federico García Lorca


La guerra civil española era una revuelta nacionalista (fascista) contra el nuevo gobierno republicano. En los años antes de la guerra, el poder parlamentario cambió muchas veces entre la derecha y la izquierda. Los nacionalistas, por la derecha, querían restablecer la monarquía, y los republicanos, por la izquierda, querían abolir la monarquía. En 1936, los nacionalistas intentaron de tomar el control del país, pero no pudieron. La guerra entre los nacionalistas y los republicanos duraba casi tres años. Al fin de la guerra, Francisco Franco ha ganado poder del país, y estableció una dictadura cruel.
 
Pero el propósito del estudio independiente no es explorar la historia de los países hispanohablantes, sino explorar la cultura hispana. Me interesa la guerra civil española y la dictadura después de la guerra. Por eso, decidí explorar un modo de expresión que refleja una parte de este período de tiempo, y encontré un poema que relaciona a dos escritores españoles.
 
Federico García Lorca era un escritor que también escribió poesía y obras teatrales. Él nació en Granada en 1898. Aunque él murió joven (en 1936), él ganó el respeto de muchos escritores y artistas de su tiempo, incluso el escritor español Antonio Machado.
 
Antonio Machado era un escritor que escribió poesía y obras teatrales. Él nació en Sevilla en 1875, estudió en Madrid, y enseñó francés en varias instituciones académicas a través de España. Machado murió en 1939, pocos días después de huirse a Francia.
 
Al principio de la guerra, los militares en Granada dieron el orden para asesinar a Federico García Lorca. Creemos que este orden era dado para suprimir la posibilidad de la expresión contra los nacionalistas. El escritor era arrestado en agosto de 1936, y según algunos documentos nuevamente descubiertos, él dio una confesión antes de ser ejecutado. Todavía no sabemos dónde están los restos del García Lorca.
 
Como respuesta a la muerte de García Lorca, Machado escribió su poema “El crimen fue en Granada”, publicado en un periódico en octubre de ese año. Cuando escribió el poema, Machado todavía estaba viviendo en España dentro de las regiones no controladas por los nacionalistas.
 
El poema tiene tres secciones con sólo una estrofa en cada sección. La primera sección es nombrada “El crimen” y la segunda sección es nombrada “El poeta y la muerte”, pero la tercera sección no tiene un título y es más corta que las otras.
 
En la primera estrofa, Machado cuenta la matanza de García Lorca. Al principio, García Lorca está caminando por una calle durante la noche. Vemos un grupo de verdugos que mata al escritor al amanecer. Después, él se cae, muerto, y los verdugos rezan que Dios no va a salvarlo. En las últimas líneas de la primera estrofa, Machado enfatiza que la matanza de García Lorca tenía lugar en Granada; es como los sentimientos de la matanza eran muy estremecedores.
 
En la segunda estrofa, Machado dice que García Lorca también está caminado, pero no está caminando literalmente por la calle; sino, él está caminado a la Muerte. García Lorca habla a la Muerte y la da cumplidos. Esta estrofa parece muy surrealista (como un escape de la realidad), y oímos lo que él dice a la Muerte. Describe la Muerte como una mujer, con pelo que mueve en el viento, labios que él besa, y las secas palmas que han sonado. En las últimas líneas de la estrofa, García Lorca dice que estás asolas con la muerte en la ciudad de Granada.
 
La tercera estrofa empieza con las palabras “Se les vio caminar” pero Machado no continúe con otros detalles sobre dónde camina García Lorca. La estrofa parece optimista, exigiendo que los amigos de García Lorca se unan. Aunque esta estrofa es la más corta, parece que es la más fuerte porque Machado dice que el crimen que fue en Granada no ser olvidado; un túmulo para el autor será construido sobre una fuente que dirá estas palabras para siempre: “el crimen fue en Granada, ¡en su Granada!”
 
Hay dos elementos que están presentes en cada estofa. Uno es el uso de las palabras “Se le vio” para empezar cada estrofa. Este refiere a García Lorca, y él está caminado, y como explicado, Machado usa esta frase en maneras diferentes para cada estrofa. El otro es la repetición de la ciudad del crimen: Granada. Parece que Machado repita el nombre de la ciudad muchas veces para asegurarse que la ciudad de Granada no olvidará la matanza.
 
Federico García Lorca es recordado en muchas maneras diferentes. Hay muchos poemas (aparte de éste), obras escritas, y obras músicas que pertenecen a García Lorca y su asesinato. Esto muestra que los nacionalistas triunfaron en matar a un escritor increíble, pero no podían matar la memoria del autor que se ha sostenido hasta hoy.

martes, 31 de mayo de 2016

31-5-2016: “Autorretrato, diecisiete años de edad”—poema original

La semana pasada, leí el poema “Autorretrato” por Rosario Castellanos (y también escribí un análisis del poema). Escribí este poema porque quería reflexionar en mí mismo y descubrir quién soy como una persona.
 
 
 
 
Soy un estudiante de Maumee Valley
La escuela que considero como otra casa
Donde puedo hacer lo que quiero
y donde tengo confianza en mí mismo

Soy un estudiante que participa mucho en mi escuela
como pianista para el coro y los musicales
y tenista en el equipo
y un líder de grupos estudiantiles

Mi modo de expresión es la música
Cuando estoy sobre el escenario
Y puedo tocar mi pieza
Siento fortalecido con la sonoridad que produzco

Ocasionalmente digo palabras hirientes sin pensar
y lastimo a alguien sin querer
Uno no se puede retirar lo que ya ha dicho
y cuando lo pasa, me siento horrible por muchos días

Pero intento ser una persona mejor cuando me despierto cada día
Sé que la honestidad y la bondad son importantes para ganar respecto
y que las personas en este mundo sólo salen adelante trabajando juntos
Me encuentro con el éxito cuando recuerdo portarme así

Después de graduarme de Maumee Valley
quiero asistir a una universidad prestigiosa
Quiero divertirme pero también ayudar el mundo
Espero ser un ciudadano global y estar a la delantera del cambio
Esto lo haré, algún día.

31-5-2016: "La industria de Detroit"—poema original

"La industria de Detroit" es un poema original inspirado por la pared del sur del mural Detroit Industry por Diego Rivera. El mural está ubicado en el Detroit Institute of Art. La intención del poema es describir y analizar lo que pasa en la escena del mural.




Cada mañana a las cinco y media,
la fábrica del automóvil despierta.
Es un día atareado,
y hay mucho para hacer.

Cada persona tiene una tarea específica.
El ayudante trae el metal del depósito al soldador.
El soldador suelda los cachos de metal para formar una parte del eje.
El inspector chequea las piezas de metal para la calidad y si hay daño.
Los ensambladores fusionan las otras partes para crear el producto completo, mientras otros obreros agarran las piezas pequeñas para prevenírselos de mover.
Y el capataz, con los espejuelos y los brazos cruzados, mira la rápida línea de ensamble, asegurándose que cada obrero hace su trabajo correctamente.

Dentro de la fábrica, es muy ruidosa
con las mecánicas de las máquinas,
y el chillido de la herramienta,
y el zumbido del transportador
y el batacazo del eje
y el gruñido del obrero
y el golpe del martillo.

Los hombres trabajan duro,
sólo descansando para respirar
o para limpiar el sudor de la frente.
Y al terminar el día,
han producido cientos de coches
para mantener el país en movimiento.

viernes, 27 de mayo de 2016

27-5-2016: Frida Kahlo y la pintura de su aborto espontáneo

Autorretrato con traje de terciopelo por Frida Kahlo, 1926

Hoy, miré la película Frida, que cuenta la historia de la artista Frida Kahlo y su relación con su esposo, Diego Rivera. Los dos eran artistas mexicanos, y aunque pintaron, ellos pintaron en estilos diferentes.
 
Frida Kahlo, se casó con el artista Diego Rivera en el año 1929. Después de la boda, Rivera era invitado a pintar murales en algunas ciudades estadounidenses, tales como San Francisco, Detroit, Nueva York, y Chicago. En la película Frida, Rivera dice a Kahlo que no partiría por los Estados Unidos hasta que ella decidiera acompañarlo en su viaje.
 
Los dos vivían en Detroit en 1932 cuando Rivera estaba trabajando en sus murales Detroit Industry en el Detroit Institute of Arts. Su proyecto en Detroit tomó ocho meses. Cuando Rivera estaba pintando en las paredes, Kahlo estaba pintando sus propias pinturas. Kahlo estaba embarazada cuando vivía en Detroit, pero los médicos le avisaron a ella de terminar el embarazo porque no era bastante fuerte para estar embarazada, a causa de un accidente de circulación cuando ella era joven.
 
Un día, ella sufrió un aborto espontáneo. Ella perdió mucha sangre y tenía que ir al hospital. Cuando ella estaba recuperando durante su estancia en el hospital, ella hizo la pintura Henry Ford Hospital.
 
Henry Ford Hospital por Frida Kahlo, 1932
 
La obra representa la pérdida de su feto. Vemos que ella está acostándose, desnuda e incapaz de hacer nada. Kahlo pinta el feto y otros símbolos que representan lo que perdió ella. También vemos las sábanas de la cama en que perdió sangre, y hay líneas de sangre en la pintura que conectan los símbolos a ella. En el fondo, vemos los edificios de Detroit y el cielo azul, pero no vemos más sobre donde está. Es posible que esto signifique sus pensamientos de impotencia y vulnerabilidad en un mundo muy cruel a ella, físicamente y emocionalmente.
 
En la película, vemos que el aborto espontáneo era muy difícil para Rivera también. Normalmente, Rivera se comporta como un esposo sin dedicación, pero en la película, el sufrimiento y la tristeza afectaron a él, y había una escena en que él lloró en el pasillo del hospital.
 
Según el Huffington Post, Rivera pintó un bebé en lugar de una escena agrícola para un panel por la pared del este de su mural. Él decidió cambiar este panel después de la tragedia.
 
Detroit Industry (detalle de la pared del este) por Diego Rivera
 
Me parece que esta tragedia acercara a los dos porque ellos estaban más tranquilos uno al otro con la aflicción. Según la película y otros recuentos de Rivera y Kahlo, los dos artistas siempre reñían y no tenían una relación buena. Ambas Rivera y Kahlo tenían aventuras con otras personas. En el año 1939, los dos se separaron pero se casaron de nuevo un año después de la separación.
 
Esta pintura no era la única pintura en que Kahlo expresa su sufrimiento. Ella pintó otras obras como La columna rota (sobre su daño espinal), Árbol de la esperanza, mantente firme (otra pintura sobre su daño espinal), y El venado herido (sobre su sufrimiento emocional).
 
 
 
 
Nota: A veces, ella usó la ortografía alemana, “Frieda”, pero Kahlo normalmente usaba la ortografía mexicana de su nombre, “Frida”, y usamos esta ortografía hoy.

jueves, 26 de mayo de 2016

26-5-2016: Escribiendo poesía

Hoy, empecé de escribir unos poemas, inspirados por las obras que he estudiado. Un poema es un autorretrato, inspirado por el "Autorretrato" por Rosario Castellanos, y el otro es un poema ecfrástico inspirado por la pared del sur del mural Detroit Industry por Diego Rivera (en el Detroit Institute of Arts). He completado los primeros borradores de ambos.

Escribir mis poemas no era fácil. Es tan difícil expresarme claramente y eficazmente en mi idioma primario, y ahora tengo que escribir poemas en un idioma secundario. Tenía que buscar lo que quiero decir en el diccionario, escribir las líneas, y organizarlas en las estrofas. He elegido la idea principal de los dos poemas y estoy satisfecho con la organización de las líneas. Voy a editar y revisar mis poemas con la ayuda de mi consejera. Tengo la intención de publicar mis poemas después de completarlos.

miércoles, 25 de mayo de 2016

25-5-2016: Reacción a “Me gustas cuando callas porque estás como ausente”

“Poema 15” es mejor conocido por la primera línea: “Me gustas cuando callas porque estás como ausente”. Es un poema en la obra Veinte poemas de amor y una canción desesperada, escrita por Pablo Neruda y publicada cuando él sólo tenía diecinueve años.

Este poema parece extraño a mí. Es como al narrador le gusta el concepto del amor, pero prefiere fantasear sobre su amante más que pasar buen tiempo con ella. Es interesante que a él le guste que su amante sea callada, porque una persona callada es un objeto más que un ser humano. Él dice también que quiere hablar en la presencia del silencio de la otra persona. Es como él quiere hablar en la presencia suya, pero en realidad, no quiere hablar con ella.

Aunque el narrador dice que esta amante llena su alma, dice que eso también lleva “la palabra melancolía”. Si una persona está como ausente, no sé como él puede gustar a esa persona. No pienso que él ame a ella. Si el narrador tenía interés por ella, él sólo ama la idea de ella o ella como objeto, y no ella como una persona.

Me parece que él tuvo una mala relación con otra persona porque una relación debe sentir a gusto cuando los dos están juntos. Si una persona siente ansiosa con su media naranja, probablemente hay problemas en la relación. No entiendo este poema.

25-5-2016: Como Rosario Castellanos se describe en “Autorretrato”


Rosario Castellanos era una escritora mexicana que escribió poesía, ensayos, y novelas. Escribió este poema en 1972, dos años antes de su muerto en 1974.

Castellanos no tiene mucha confianza en sí misma en este poema, y ella lo dice esto por varias maneras. Por ejemplo, se describe claramente que es “más o menos fea”. Dice que no le gustan los espejos, y piensa que los espejos dirían que ella se ve torpe y ridícula. Cuando describe más sobre sus apariencias, ella dice que se ve mediocre.

Parece que las partes más fascinantes de su vida han pasado, y casi parece que ella no tiene interés de vivir su vida. Ella dice que escribe en un periódico cada semana, como es nada. También dice que debe escuchar a la música e ir al cine, pero no quiere. Al fin del poema, Castellanos explica que se había enseñado a llorar, has sufrido mucho, y que su pena era heredada.

Aunque el tono del poema es tan negativo, ella escribe sobre algunas cosas más ligeras. Habla de su hijo, Gabriel, que ella lo ama mucho y lo amará para siempre. Y habla también sobre los hombres que admiran a ella, las cartas que la mandan, y las llamadas por teléfono que recibe ella.

Creo que el propósito de este poema es decir que su vida ha sido difícil, y que ella no ha sentido agradable con sí misma. Ella escribe mucho sobre sus pensamientos negativos y desagradables. Pienso que ella tiene estos pensamientos porque el estatus de las mujeres durante la mayoría del siglo veinte era difícil. No había muchas escritoras, y probablemente era difícil de expresarse en una manera que otras personas se la tomaría en serio. No había la igualdad entre los sexos, y aunque es mejor hoy, todavía no es perfecto.

Además, cuando escribió “Autorretrato,” Castellanos era mayor, y posiblemente lamentó que no era una mujer joven. Pero ella tenía una vida difícil también cuando era joven; el gobierno mexicano confiscó la propiedad de sus padres cuando ella era un adolescente, y ellos murieron cuando ella tenía quince años. Finalmente, durante el último período de su vida, Castellanos vivió en Israel como la embajadora mexicana, y también es posible que extrañara a México y sus pensamientos negativos fueran amplificados en este poema a causa de vivir lejos de casa.

25-5-2016: Análisis de “La viuda de Montiel”

“La viuda de Montiel” es un cuento por Gabriel García Márquez sobre lo que pasa a una viuda después del muerto de su esposo.

Aunque Montiel está muerto, su espíritu controla a su viuda más que nunca. La viuda era una persona que cuestionó a su esposo antes su muerto, pero después de su muerto, ella se convierte en una persona que es tan triste y dedicada a su esposo difunto.

Es posible que Montiel siempre tuviera control acerca de su esposa. Pienso esto porque aunque Montiel era muy severo con su mujer, ella no dejó a Montiel, y el narrador nunca dice que había algo que le impidió a ella de irse. Si la viuda tuviera la autoridad de su propia vida, ella probablemente lo habría abandonado. Para continuar con el tema de control de su propia vida, la relación empezó con un matrimonio concertado, y es probable que hubiera habido otros problemas con la relación.

Me di cuenta de que la viuda no tiene amigos que visitan después del funeral. ¿Es posible que a nadie le caiga bien ella? Pienso que la razón de por qué no tiene amigos es porque su esposo era tan mal, y porque ella era la esposa del malhechor, nadie quería relacionarse con ella.

Un tema político que es explorado en el cuento es la corrupción en el gobierno.  José Montiel trabajaba mucho con el alcalde para controlar el pueblo y ser el hombre más rico y poderoso, pero en realidad, él nunca ganó más de la satisfacción. El narrador dice que él murió del enfado, y nadie amaba a él, ni siquiera sus hijos en Francia y Alemania. En este momento, parece que él sólo hizo lo que hizo repetidamente porque era un hombre egoísta que sólo quería el poder. Pero como Montiel controló a su esposa, es posible que algo controlara a él también porque él era loquísimo, le gustaba matar a otras personas y agarrar ilegalmente la propiedad de otros, y no tenemos otra explicación de su comportamiento agresivo.

martes, 24 de mayo de 2016

24-5-2016: Resumen de “La viuda de Montiel”

Don José Montiel ha muerto de las causas naturales, y el pueblo está satisfecho con su muerto. A nadie le gusta José Montiel, y pocas personas asisten su funeral. Hasta sus hijos no regresaron para decir adiós a su padre. Pero su viuda está apenándose. Ella está tan triste, y decide encerrarse para siempre, diciendo “Para mí, es como si me hubieran metido en el mismo cajón de José Montiel”.

La viuda de Montiel se comporta extrañamente después del funeral de su esposo. Por ejemplo, ella adquiere el costumbre de morderse las uñas. Ella también cubre los muebles con colores obscuros y sacó las decoraciones en su casa. Conocemos al señor Carmichael, el servidor de don y doña Montiel.

Después, el narrador cuenta de la historia de don Montiel y su relación con su esposa. Descubrimos que en otro tiempo, don Montiel dio un gran regalo al templo. Pero después, el se hizo el informador confidencial al nuevo alcalde, y tenía el encargo de eliminar la oposición política por cualquier manera. Montiel dio órdenes a la policía para acribillar a la oposición pobre, mientras que dio órdenes a la oposición con riqueza de dejar el pueblo.

La esposa de Montiel intentaba de parar las acciones de su esposo con el alcalde, pero Montiel nunca escuchaba a ella, además de usar algunas palabras duras. La primera vez, cuando ella advirtió a su esposo que el alcalde era un criminal loco, don Montiel la dijo “No seas pendeja”. Otra vez, Montiel la dijo “Vete para tu cocina y no me friegues tanto”.

Más tarde, Montiel compró toda la tierra agarrada que los ricos dejaron. Cada vez que ella intentó de pararlo, Montiel exijo que ella se vaya. Montiel se hizo el hombre más rico y poderoso del pueblo, pero él se muere un ratito después.

Nosotros descubrimos que el señor Carmichael está en contacto con el hijo de Montiel. El hijo dice que tiene miedo de su padre, y no regresará al pueblo. El señor Carmichael no puede hacer nada, y dice a la viuda que la dejará. Al fin del cuento, la viuda vive sola y manda cartas a su hija, diciendo que no le gusta el pueblo y ellas no deben regresar a visitarla. Sus hijas escriben respuestas y están felices, y por esto, la viuda está contenta. Ella se acosta en su cama, y pregunta a la Mamá Grande cuando va a morirse. La Mamá Grande dice que ella se morirá cuando está cansado.

lunes, 23 de mayo de 2016

23-5-2016: El realismo mágico

El realismo mágico es un género literario que tiene sus orígenes en Latinoamérica.

El género es único en que cosas inventadas y fantásticas, pero los cuentos generalmente tienen lugar en sitios familiares en nuestras vidas cotidianas. Los escenarios en un cuento son muy parecidos al lector, pero son muy diferentes con los detalles que mejoran el cuento y crean interés. Estos elementos inventados son incorporados constantemente en una narración creíble.

Los escritores del realismo mágico incluyen Gabriel García Márquez (Colombia), Jorge Luis Borges (Argentina), e Isabel Allende (Chile).

23-5-2016: El cubismo

El cubismo es un movimiento de arte durante el principio del siglo veinte. Una obra cubista típica distorsiona la figura y la forma del sujeto y representa el sujeto con formas geométricas.

Hay dos tipos del cubismo: cubismo analítico y cubismo sintético. En el cubismo analítico, una obra tiene un sujeto con muchas perspectivas diferentes. En el cubismo sintético, muchos sujetos son combinados para crear una perspectiva nueva.

El estilo cubista era inspirado por el artista francés, Paul Cézanne, pero era explorado y desarrollado por los artistas George Braque y Pablo Picasso. Particularmente, Picasso usaba cubismo en muchas obras y hoy, conocemos Picasso como el artista cubista más importante.

Las obras cubistas más famosas de Picasso son Guernica y Les Demoiselles d’Avignon.


Guernica por Pablo Picasso

Les Demoiselles d'Avignon por Pablo Picasso

23-5-2016: Análisis de Self-Portrait II

 
 
Self-Portrait II es una pintura hecho por Joan Miró en 1938. El período de esta pintura es surrealista.

La pintura tiene muchos símbolos. La pintura no conecta a la definición tradicional de un autorretrato. Es posible que haya conexiones entre la pintura y la vida de Miró, pero no sabemos los significados de estos símbolos.

Debe prestar atención a la repetición de algunos símbolos. El motivo del círculo rojo con rayos amarillos está presente por dos lados del lienzo. Hay dos parejas de círculos al fondo de la pintura, y la pintura también tiene dos estrellas azules a lo más alto del lienzo. Finalmente, hay dos objetos en forma de media luna al rincón de la pintura. Aparte de la presencia de estos símbolos, no sabemos más sobre la obra en conjunto.

Otra cosa interesante es el uso de los colores. Me di cuenta de que el artista sólo usa los colores primarios para los símbolos. Para el fondo, él usa el negro. Es posible que el fondo negro simbolice la oscuridad de la vida de Miró durante la guerra civil española (1936-1939). Miró vivía en París durante la guerra, pero él regresó a España después de que terminó.

23-5-2016: El surrealismo

El surrealismo es un período de arte que origina durante los años 1920. La intención del surrealismo es descubrir los más íntimos pensamientos y expresarlos con el simbolismo.

Hay varios elementos del surrealismo. Un elemento es el escape de la realidad al subconsciente. Por esto, es posible que algunos elementos en una obra no existan en el mundo real. Otro elemento es la libertad en el estilo de una obra. En surrealismo, no hay reglas u costumbres; los artistas se expresan en cualquier manera que quieren. Además, en algunas obras surrealistas, objetos que normalmente no relacionan con los otros están ubicados uno al lado de otro.

Pero el surrealismo no es el arte abstracto. A diferencia del arte abstracto, las ideas o los mensajes principales el arte surrealismo son más claros, mientras que en el arte abstracto, encontrar la idea principal es más difícil, si hay una idea principal. Cada obra surrealista quiere decir algo, aunque algunos significados de estos símbolos pueden ser desconocidos.

Algunas obras surrealistas son Women and Bird in the Night por Joan Miró, Self-Portrait II por Joan Miró, La persistencia de la memoria por Salvador Dalí.

La persistencia de la memoria por Salvador Dalí
 
Women and Bird in the Night por Joan Miró

viernes, 20 de mayo de 2016

20-5-2016: Análisis de Atrabiliarios

 
Atrabiliarios es una obra de arte creado en 1993 por la artista colombiana Doris Salcedo. La obra contiene panel de yeso, zapatos, tejido de animales, e hilo.

Según la carta de información, la obra representa los desaparecidos en Colombia, secuestrados por los golpes militares durante los años 1960. Dice que los zapatos representan las personas, y el tejido de animales bloquea los zapatos. Es como nosotros no sabemos dónde fueran los desaparecidos, y no podemos verlos.

Es interesante que la obra sea una parte de la pared. Es plana y nivelada con la pared, y no sobresale de la superficie. Además, el color de los tejidos es opaco y sin brillo. Por esto, la obra parece muy sutil y se funde con el color blanco de la pared.

Yo quiero saber si había una razón por qué la artista usó hilo para sujetar el tejido a la pared. Habría sido más fácil usar otra cosa en lugar del hilo, como el pegamento. Es posible que el hilo sea un símbolo de algo, pero no sabemos de qué.

Hay otras cosas interesantes que no pertenece a la obra, sino la obra en relación con la galería. El espacio no tiene iluminación buena, y las otras obras en la galería son pinturas grandes puestas en las otras paredes. Hay mucho espacio en el suelo cerca de esta obra. Además, la obra está situada cerca de un rincón de dos paredes, lejos de las dos entradas a la galería. Entonces, cuando yo me senté en frente de la obra escribiendo este análisis, observé que ni siquiera una visitante prestó atención a la obra, y cada persona inmediatamente anduvo a las otras pinturas grandes. Este relaciona (intencionadamente o no intencionadamente) a la idea que muchas personas han olvidan y no han prestado atención a los desaparecidos, como lo que sucede en esta galería.

20-5-2016: Análisis de Standing Woman


Standing Woman es una escultura del artista catalán Joan Miró, creado en 1969.

La forma de la escultura es muy simple. La textura de la mujer es muy lisa con curvas sutiles, y la escultura sólo es negro. Esta simplicidad de la escultura relaciona con la vida de Miró, particularmente la edad avanzada del artista (él tenía 75 años cuando la creyó). Sus obras anteriores son más liberadas y surrealistas, con mucha complejidad, espontaneidad, e imprevisibilidad. Las obras creadas a finales de su vida son más sencillas y tranquilas.

Pienso que el propósito de la escultura es expresar la sexualidad de una mujer. Los senos y las nalgas de esta mujer son agrandados, y no hay partes que no sirven un uso sexual, como los brazos, las manos, y las piernas.

Hay un gran espacio abierto en el centro de la mujer. Pienso que éste refiere la matriz, donde toda la vida humana se origina. Otra posibilidad es que Miró decidió intencionadamente de no incluir su abdomen para simplificar la figura de la mujer (la misma razón por qué no incluyó los brazos y las piernas).

Como la pintura Sylvette de Picasso, Standing Woman expresa la figura general del cuerpo de una mujer, solo incluyendo las partes más importantes de una mujer.

20-5-2016: Análisis de Sylvette


Sylvette es una pintura creado en 1954 por el artista español Pablo Picasso. Picasso tenía más o menos 73 años cuando creyó esta pintura. El sujeto principal en esta pintura es Sylvette, una modelo que posaba para Picasso.

Parece que el humor de la mujer es indiferente. Ella no está feliz, y no tiene una expresión tampoco. Ella está sentada, pero con esta simplicidad y generalización de la cara de la mujer, no sabemos más sobre lo que ella piensa o siente.

Un elemento interesante pertenece a las formas que usa Picasso. Él sólo usa las formas básicas en su pintura, expresando la idea y el humor general de la mujer. No podemos ver cada parte del cuerpo de Sylvette. Las únicas cosas en la pintura que resaltan son la textura de su pelo, la expresión de su cara, y los botones de su camisa. Solamente analizando la pintura, no podemos aprender más sobre la mujer.

Cuando busqué más información sobre Sylvette, vi que Picasso hizo muchas pinturas diferentes de esta mujer. Extrañamente, esta versión de Sylvette es más escasa que las otras versiones.

Aunque Picasso creyó más que sesentas versiones de Sylvette en las formas de los dibujos, las pinturas, y las esculturas, los dos no eran amantes. En este tiempo, Picasso no tenía una compañera (se separó de Françoise Gilot hace un año), y es posible que Picasso quisiera un sujeto interesante para ocupar su tiempo. Picasso dejó de usar Sylvette como sujeto cuando él empezó una relación con Jacqueline Roque.

20-5-2016: Detroit Institute of Arts


Hoy, visité el Detroit Institute of Arts, un museo de arte con más de 60,000 obras, con el propósito de analizar arte del mundo hispanohablante para aprender más sobre la cultura hispana en forma de los artes visuales.

Elegí estas obras para escribir los análisis:

Self-Portrait II por Joan Miró (23-5-2016)
Standing Woman por Joan Miró (20-5-2016)
Sylvette por Pablo Picasso (20-5-2016)
Atrabiliarios por Doris Salcedo (20-5-2016)

jueves, 19 de mayo de 2016

19-5-2016: Resumen de “Un señor muy viejo con unas alas enormes”

El cuento empieza con un niño recién nacido que tiene una fiebre. Pelayo, el papá del niño, pasa por el patio afuera de su casa. Él encuentra un hombre viejo que no puede levantarse a causa del peso de sus enormes alas. Pelayo llama a su esposa, Elisenda, y los dos están confundidos, mirando al hombre.
 
El hombre viejo está encallado en el lodazal, y Pelayo y Elisenda se dan cuenta de que este hombre viene de un naufragio. Pero los dos no pueden hablar al hombre porque él habla un dialecto diferente. Pelayo y Elisenda creen que el hombre es un ángel para su hijo enfermo. Y un día después, el hijo sienta mejor y no tiene fiebre.
 
El padre Gonzaga siente sospechoso al hombre viejo, diciendo que él no parece como un ángel normal y no entiende Dios. Sin embargo, mucha gente quiere ver al hombre, y la gente viene de lugares lejanos. Muchas personas que visitan al hombre tienen enfermedades extrañas, y ellas buscan un tratamiento del hombre. Porque hay tantas personas, Elisenda decide cobrar dinero para entrar el patio donde está el hombre.
 
Muchas personas no respectan al hombre, y el hombre no presta mucha atención a la gente que lo visita. Aunque algunos dieron comida al hombre, otros tirarían piedras a su cuerpo. El escritor dice que el hombre no hace mucho, y que el hombre es muy paciente. Un día, una mujer convertida en una araña viene al pueblo. Le interesa al pueblo en esta mujer, y la gente deja el hombre viejo para ver el cuento de la mujer.
 
Sin embargo, Pedro y Elisenda ha ganado mucho dinero, y ellos construyen una casa nueva y todos están felices. El hombre viejo todavía vive en el patio de Pedro y Elisenda. El hijo de Pedro y Elisenda se hace mayor y asiste la escuela. Eventualmente, Elisenda piensa que el hombre morirá, pero ella se equivoca. Sorprendentemente, el hombre recupera repentinamente su fuerza, intentando de volar, y el hombre se va con una ráfaga.

19-5-2016: Reacción a “Un señor muy viejo con unas alas enormes”

Gabriel García Márquez

Hoy, leí el cuento “Un señor muy viejo con unas alas enormes”, escrito por Gabriel García Márquez, un autor colombiano. Hoy, tenía que trabajar duro para leer y comprender el cuento. El cuento era muy corto, más o menos diez páginas. Si el cuento fuera escrito en inglés, ¡sólo tomaría algunos minutos para leerlo! Todo el día hoy, yo estaba leyendo el cuento y definiendo vocabulario nuevo.

Comprender el cuento era difícil porque había muchas palabras desconocidas. Otro aspecto difícil del cuento es el género del cuento. Hay muchos lugares y objetos en el cuento que existen en nuestra comunidad normal, como el patio, la casa, y la calle. Pero también hay partes del cuento que viene de fantasía. En “Un señor muy viejo con unas alas enormes”, estos elementos son el hombre con alas y la mujer que se convierte en una araña. Para una persona que no sabe mucho sobre el realismo mágico, se hace confuso distinguir entre lo que es real y lo que es inventado, porque los dos existen juntos. Escribiré más sobre el realismo mágico el lunes.

Algo que no comprendo es por qué el hombre viejo quedó con la familia de Pedro por tanto tiempo. No sabemos si el hombre estuviera feliz, triste, o indiferente. Aunque él no podía volar hasta que el cuento terminara, él hubiera podido dejar la familia para irse en otro lugar. No había una razón de quedarse, y el hombre viejo no ganó nada quedándose con la familia tampoco.

Mi parte favorito del cuento era cuando el hombre se fue, libre, elegante, y hermoso. Nadie sabía que él saldría, y durante el cuento, el lector no puede predecir el futuro de este hombre. El hombre viejo ayudaba la familia, dándola dinero y curando el hijo, y no había más con qué él podía ayudar.

¡Mi español es muy oxidado! Ojalá que mi español regrese pronto a mí.